March

宠辱不惊,闲看庭前花开花落

去留无意,漫随天外云卷云舒

搬运&翻译——调色教程:色彩协调理论

LOFTER摄影:

远征#ΓΛΚΣΤΘ:



       这是一篇国外的调色教程,来自ZevenDesign网站的Rikard Rodin。由 @Air&N2·Saunato  Air大爷将原文分享给我。本着摄影是要分享的原则,以个人形式将教程翻译出来,本人才疏学浅,第一次进行教程翻译工作,如有理论错误,烦请大家指出,我会立即修正,谢谢!


       本篇教程讲述了一些设计当中色彩搭配的基础理论,在进行照片的调色处理时,具备设计相关知识能够更好地表现照片内容。单纯地理解理论较为抽象,因此我将教程中的图片示例一同搬运过来,并添加两张色轮图示辅助理解。建议大家仔细地看完教程后段的作者给出的每个调色示例,对于理论的理解大有帮助。


第二篇教程《搬运&翻译——电影风格&景深氛围研究:营造摄影作品的空间关系》已经翻译完毕,点击即可进入。


原版教程地址:Color Harmony: Why Hulk Wears Purple Pants——http://www.zevendesign.com/


正文:


     色彩协调是一种采用适合人眼观看的颜色组合方式的调色理论。换句话说,就是什么样的颜色组合在一起能够协调一致。我们在看电影时,发现绿巨人穿的是紫色的短裤,X战警身穿蓝黄相间制服,这些都是色彩协调的实例。色彩协调也是几乎所有设计过程中,对色彩的选择背后蕴含的原因。


色轮



       色彩协调理论基于色轮的概念而成。色轮本质上是一个将所有的颜色按环形排列的圆。基本的颜色位于色轮上三个等间距的点。(通常是指红、绿、蓝三原色。)在色轮概念起源的印刷领域,通过混合RGB三原色,可以调出几乎所有其他的颜色。在现代印刷中,RGB三原色被换成了CMY(Cyan青色,Magenta洋红,Yellow黄色),并加入了黑色来生成更暗的颜色,因此被称为CMYK。(这里的K并不是简单地指Black,而是指Key Plate,具体可百科一下CMYK。)


       色轮上的RGB三个点之间,是它们两两混合得出来的颜色——比如红和蓝混合得到紫色,红和黄混合得到橙色,黄和蓝混合得到绿色。理论上,所有的颜色都能在色轮中的某个位置上找到。


       色轮用圆的形式表现颜色。离圆心越近,颜色越不纯;离色轮边缘越近,颜色的纯度和饱和度都越高。这是平面色轮的基础概念。我们在进行照片的后期调色处理时,可以调整颜色的明亮度。加入明亮度后的色轮,表现为一个三维色轮。如图所示:




在一个三维形式的色轮上,我们调色时可能会分别增加颜色的明度和饱和度。学习色彩协调理论,有一点需要明确的是,改变颜色的明度或饱和度,并不会让颜色在色轮上的位置出现横向的偏移,而只影响颜色到圆心的距离。比如通过改变橙色的明度,橙色可以从茶褐色变化到浅橙色,再到白色。但是它们在色轮上,都属于橙色。(如果需要颜色在色轮上横向偏移,则需要调整色相。)


基本色(主色)


       了解完色轮本身之后,我们需要理解基本色的概念。基本色是设计过程中最重要的颜色。基本色是你在规划色调时首先要确定的,希望吸引观看者首先注意到的主色调,并且确定后。例如你正在画绿巨人,那么绿色要作为基本色。再举一个例子,如果你正在给一个人拍肖像照,那么这个模特的肤色就是基本色。产品摄影中,产品本身的颜色就是基本色。


       协调色彩前,首先需要确定的是基本色。以下是几种协调的颜色搭配方式。


协调色的种类


一般来说,颜色有五种协调的形式。






  1. 互补色:这是最基础的协调形式。确定完基本色后,与之协调的颜色位于色轮上“对面”(180°夹角)的方位。对面的颜色与基本色互补,因此这种形式被称为互补色。实际上,所有的色彩协调形式(除了邻近色)都属于互补色的变种。


    互补色之间的强烈对比给人一种活泼的感觉,尤其是高饱和度的时候,感觉更加强烈。但是如果处理不当,会造成过于刺激的视觉感受,给人不好的感觉。这是一种最常见的色彩搭配方案,在各种各样的设计作品中都很容易能找到。在色轮上,绿色的互补色是紫色,所以绿巨人漫画中,作者给他穿上了紫色的短裤。红色和绿色也恰好是一组互补色,我们在圣诞节时会看到大量的红配绿。再举一个摄影的例子,蓝色被认为是最好的人物背景色,因为它跟人的肤色是一组互补色,所以我们的证件照中,常用蓝色作为背景。


    互补色方案在大量使用时比较难把握,但如果你想突出一样东西,使用互补色会得到不错的效果。它并不适合与文字进行搭配,因为所有的颜色都具有相似的“强度”,会分散观看者的注意力。




  2. 分补色:位于基本色的互补色两边的颜色区域,这种方案得到了更好的颜色范围,并且仍然没有偏离基本色与其互补色之间的色彩协调基础。

    这种色彩方案比起互补色方案,可以给人相同强度的视觉对比体验,却具有更小的张力。分补色方案在设计实践中是一种安全的方案,通常效果不错




  3. 对比色:颜色之间在色轮上夹角为120°,也叫“三角色”。如图所示,实质上,使用对比色方案,采用的三种颜色在色轮上具有相等的间距,因此也拉伸了色彩协调的范围,因此这种色彩方案最好只用于高光部分。

    过量使用对比色之间的颜色会造成照片中的颜色过多,造成过于活泼的视觉体验。

    想要成功使用对比色协调方案,各种颜色之间需要进行仔细的色彩平衡处理——先让其中一种颜色占主导地位,然后再强调另外两种颜色。或者降低所有颜色的饱和度,只在一小块区域或高光部分使用对比色。



  4. 邻近色:也被称为类似色,这些颜色位于你选择的基本色两侧相邻的位置。它们之间通常匹配得相当好,并且能营造出一种平静、舒适的体验。虽然这种色彩协调方案给眼睛一种舒适的体验,但也会给人一种单调的感觉。如果你想调出仅以一种颜色为主的色调,那么这个方案是不错的选择。



  5. 四角色:除了比三角色(对比色)多一个点之外,都跟三角色很相似。色轮上的四个点间距相等,这是一种在最新的色彩协调教程上出现的概念。作者对这种方案的个人观点是它并不是真正地在使用色彩协调理论,而是在使用色轮上的每一种颜色。或者,它只是简单地巧妙使用了两组互补色。

    这种协调方案在你具备多个元素,需要它们各自突出展示的时候,是一种不错的选择——比如一张有四个角色的海报。使用这些在色轮上等间距的颜色,每个角色都能吸引相同的注意力。




色彩协调示例:


         在这一版块,作者用了一些广告、海报和概念艺术作品展示了各种色彩协调方案是怎样运用的。


互补色:






分补色:






对比色(三角色):






邻近色:





四角色:







靠卖萌为生的家伙👌

【教程】人像摄影自然光全攻略

LOFTER摄影:

Terry F:



对于人像摄影师而言,不论早晚,不论季节,每当你摁下快门的时候,自然光和环境光都直接影响着作品的色彩和影调。看懂自然光并对其加以利用,是每个人像摄影师最基本的必修课。


使用自然光拍摄的好处不胜枚举。根据一项针对500PX受众群体的调查发现,观众更喜欢用自然光拍摄的照片,或许这也是长期生活在自然光环境里的人们的本能反应吧。此外,比起闪光灯布光,自然光在应用上也更加直观,也不容易受到场地的限制,拍摄成本更低。




但是,用好自然光的前提是理解它,并且学会如何在环境中适应自然光的变化。例如,在笔者发布下图之后,一些朋友问道“为什么逆光拍摄,模特的背部还如此明亮清晰呢?”



其原因是冬天枯草颜色浅,反光强,半人高的枯草将阳光反射到白衣服上,一定程度上平衡了光比。同理,在自然光环境中,单一光源的情况是很少的,大多数时候,环境中的物体对光的反射都会对光影产生不同程度的影响,这也是本教程将详细说明的一个重点。而在此之前,让我们先了解一下自然光的一些特点。




主要内容


1. 不同强度的光照


2. 不同方向的光照


3. 光与情绪表达


4. 光影与构图


5. 利用反射光


6. 选择恰当的时机


7. 后期光影


总结



 
1. 不同强度的光照

根据明度划分,有强光、弱光和微光。其中,强光环境往往是有阳光直射的户外。此时光比最大,光源冲击力也最强,但是曝光需要更准确,后期的时候,对器材宽容度要求也相对较高,不然容易出现“死白、死黑”的情况。



阴雨天或者室内拍摄的时候,往往属于弱光环境。此时光比相对较小,控制曝光相对容易,很适合新人练习,培养对光源方向的感知。



微光环境多见于夜景,比较考验相机的高感表现以及镜头光圈大小。倘若是在城市环境中,则光源较多,拍摄时需要理清主次。



一个误区


许多人认为,光线越强,光的质量就越高。而实际上光强和光线质量并没有直接联系。中午的太阳光会在脸上洒下难看的阴影,也会让环境的层次感减弱不少。而光线质量是由画面中光影分布决定的,合理的光影比例和分布可以让照片更有质感。而不一定需要强光来达到这一效果。



 
2. 不同方向的光照

根据方向划分,光照方向可以分为顺光、逆光、侧逆光、散射光四类。每一种光源方向都可以让图片的影调、风格乃至情绪都发生本质的变化。


在顺光环境下,往往人物的亮度大于背景的亮度,可以和背景形成反差,突出人物。但是如果光线太强的话,又会导致反差过大,倘若要保证人物曝光正确的话,背景就容易一团死黑。此外,人物因为受光面积较大,影调不强,人物本身的层次感也会较弱。




顺光的特点:


·光影分配:前亮后暗


·视觉效果:主体突出


·拍摄难度:较小


·视觉效果:较弱




在逆光环境下,人物处于相机和光源之间,光源照亮环境,但是人物处于暗部,虽然人物和背景在亮度上有着很大的反差,有时候也能看见好看的轮廓光,但是人物主体细节较少,面部光影也不美观。此时如果使用反光板补光,往往会给画面增加额外的光源,打破原本的光影平衡,让画面显得不自然。




逆光特点:


·光影分配:前暗后亮


·视觉效果:主体轮廓突出


·拍摄难度:较大


·视觉效果:强




侧逆光环境意味着尽管人物基本处于相机和光源之间,但是光源与人物形成夹角,形成轮廓光的同时照亮人物一侧,让人物的层次更强,细节相对逆光更多。这一光源位置让曝光和后期处理难度降低,比纯粹的逆光更容易把握。






侧逆光特点:


·光影分配:前暗后亮


·视觉效果:主体轮廓突出,保留一定细节


·拍摄难度:一般


·视觉效果:强




散射光常见于阴天户外,云层挡住了太阳,像一个巨大的柔光罩将光线均匀地铺洒到每一个角落。由于光影过渡太柔和,缺乏明确的影调,这种情况下不论人物还是环境的层次都不明显。虽然拍摄容易,但是视觉效果较弱。但是散射光也适合特定主题的拍摄,这一点也将在下一部分详细讲解。




散射光特点:


·光影分配:无


·视觉效果:较差


·拍摄难度:低


·视觉效果:弱



 
3. 光与情绪表达

光产生影,这两者在画面中的关系可以给观众带来各种不同的感觉。摄影师也可以利用这二者的搭配来表达情绪。根据光线特点,总的来说可以把情绪分为三大类:



(该模型只是概括了大多数情况,需要摄影师针对特定场合来应用)


倘若画面中亮部占比重大,那么可以一定程度给观众积极的感觉。如下图,画面中大部分区域都是明亮的,扩大了视觉上的空间感,进而让人感到明朗和放松。而这种情况下,摄影师应该更加留意暗部的构图和细节把握,因为处在暗部的人和楼房才是这张照片的重点。



倘若图片中暗部比重较大,那么就压缩了视觉空间感,进而让人感到压抑的情绪。如下图,整体的暗也让蒲公英和手臂狭窄的亮部显得格外突出。因此在该情况下,摄影师应该注意主体的亮度是否足够与环境形成反差。一张整体都很暗和整体都很亮的照片很容易让观众找不到重点。



削弱光比则可以一定程度上削弱情感强度。虽然阴天的时候,照片视觉效果不佳,但也可以让光影带来的情绪削弱,让作者在画面其他方面发挥创意。如下图,选择了阴天拍摄是因为图片的亮点在于人物的动作和莫名的云雨,试想倘若图片右边是日落的火烧云,观众的视线也很很难集中到人物身上了。






多光或者多影都可以表现激烈地情感,一般而言,反差越大,情感表达相对越激烈。


 
4. 光影与构图

在谈到构图的时候,许多人都会想到画面中的点、线、面。但是除了极简摄影之外,绝大多数情况仅依靠这三个要素是不够的。因为图片虽然是一个2D的平面,但是摄影师的工作是在2D上展现3D的效果,此时不仅要考虑图片在横向上的构图,也需要利用光影的变化来加强画面的“纵深感”。


下图中,三棵明度不同的树配合较亮的背景构建了图片纵向上的空间,人物的位置处于黄金分割并且利用直射光产生了较强的反差和质感,一方面确立人物的主体地位,另一方面将人物放在这个纵向空间的中间位置,加强画面立体感。



同理,下图也是利用前后三棵树和背景来营造空间感,人物的明度和前景、背景形成反差,吸引观众视线。


 
5. 利用反射光

很多人在面对光比较大的逆光的时候,首先想到的是使用反光板或者闪光灯补光。然而人造光源难免会让补光显得生硬。此时,摄影师可以尽量依靠环境中自然的反光来对暗部进行补光。


下图中,阳光从右后方射过来,让模特把反光率很高的纸船靠近脸部,就可以对左侧较暗的脸部补光,也可以消除法令纹一类的阴影。



而在下图中,让模特蹲下,靠近地面的反射光,也可以在逆光环境中形成合理的补光。


 
6. 选择恰当的时机

在上文中已经提过,拍摄自然光人像最重要的是适应环境的变化,那么拍摄时机的选择就显得尤为重要。通常而言,一天之中最适合摄影的时间段集中在日出日落前后30分钟。






下图拍摄时间就是日落后20分钟左右顺光拍摄,用模特手持的闪光灯配合橙色色片模拟火炬的光。虽然已经没有太阳直射,但天边留下的最后一抹光依稀照亮了云朵,让云有着白天能看到的层次感,也让画面的暗部有一定的细节。而因为光线很弱,所以用闪光灯的亮度足以盖过自然光对模特的影响,让观众看不到明显的日光的效果。如果拍摄时间早了,闪光灯不足以压住阳光,拍摄晚了,太阳对云层和画面中暗部的影响过小,那么云层就缺乏质感,暗部也会出现死黑。


 
7. 后期光影

如果对自然光有了充足的理解,那么对后期也有很大的帮助。从基本的调色到图片合成,都离不开对光影的调整。下图在完成墙壁、阳台、模特这三个主要元素的合成之后,缺乏光影,整张图显得很平淡。而加上影子之后,可以让观众感受到光的存在,视觉效果就增色不少。


把素材放到一起后,缺乏影调,也看不出光线效果


利用制作模型搞清楚影子走向,在利用PS制作影子


完成图

 
总结

有光就有影,在自然光拍摄人像的时候,光和影要结合起来思考,针对不同的拍摄主体选择相应的光照强度、光源方向以及恰当的拍摄时间,才能让自然光在拍摄中发挥更大的作用。后期的时候,原则上不要破坏原本图片的光影比例,倘若想要通过后期改变原图的光影关系,那么则需要更深入的学习才能较好地达成目标。


自然光拍摄人像的时候,不妨思考一下这些问题,或许能够给你一些启发。


·主体和环境的反差是否足够?


·主体和环境的光影层次是否鲜明?


·人物身上的光比是否太大,能否保留足够的主要细节?


·环境中的光影是否能够表现足够的纵深感和质感?


·环境中的光影特点是否能够传达合适的情感?


最重要的一点就是:多观察,多思考,分析优秀作品的用光再进行实践操作,这样才能快速提升对自然光的理解和应用能力。




【教程】照片后期中的5大误区

Terry F:




许多人在学过一段时间照片后期之后,不经意间会产生一些不好的习惯和观念。这里简单地罗列五个当前最常见的误区并进行分析,供大家在后期的时候参考。文章中引用了一些案例,仅供教学说明,均为百度图片随机挑选,只针对误区现象不针对个人。


系列文章上篇【拍摄前期五大误区】已由@乌鸦_LoveNPeace 发布于微博


文章地址:http://weibo.com/ttarticle/p/show?id=2309404084252961538388



目录:

1. 细节越多越好


2. 高光-100,阴影+100


3. 滥用胶片曲线


4. 照片越亮越好看


5. 转黑白,逼格高




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误区一:细节越多越好

对细节的展现能力确实是衡量后期功力的一个标准之一。这也是商业广告或者图库摄影师必须具备的一个技能。因为这一类图片往往需要输出较大画幅,那么细节的多少对最终效果的影响就很大了。


然而有些朋友在学习了一段时间的后期之后,会过度在意画面的细节,这就很容易让画面缺乏层次,甚至显得很“脏”。


这个情况在旅行(风景)摄影里面十分常见。如下图:


作者:Don Julien


还有下图:


图片来源:wreck-photography


以及下图:


图片作者:Degsy


这些作品无一例外地过分提高全图的细节效果,导致画面中一些原本就是多余的细节非常突出,进而显得画面不干净。


在人像摄影中也存在这样的误区。尤其需要点名的是近几年的婚纱摄影中常见的HDR人像风格。


例如下图:


Luis Fernando Medrano Navarro


还有下图:


图片作者:Fraser Ross


上面两位摄影师均有佳作,但是在这两张片子上缺略施水准,前者光影结构失真,后者清晰度太高显得很脏。


另外,有些教程在编辑过程中也有些欠妥。如下:


文章作者:修图师小岳


在这一步里,为了做人像HDR效果,作者将清晰度对比度都+100


文章作者:修图师小岳


在接下来的一步里,继续对建筑物大幅度增加清晰度。


清晰度滑块可以强化画面中物体的边缘,也容易让一些细节过度强化,显得“脏”或者“生硬”。因此即使是做HDR的效果,也需要把握清晰度和锐化的程度,将其控制在视觉看着舒服的程度。尤其是当画面主体体现的是“柔美”“安静”这类感觉的时候,更要慎重使用HDR效果。




一张成功的人物HDR也需要合适的题材以及足够强大的后期和审美。


如下图,就是很优秀的人像HDR作品


作者:Adrian Donoghue


而一张成功的风景照片,是保留细节,而不是强行刻画细节。


图片作者:Lauri Lohi




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误区二:高光-100,阴影+100




不知道这个坏习惯是谁传播开来的,但是这也导致了许多人盲目地暴力调节高光和阴影两个滑块。甚至有人把这个当成了后期必须做的一步。


首先我们需要明白,降低高光可以在Raw里面找回一部分亮部细节,提高阴影也是为了找回暗部细节。但是并不是所有的图片都需要大幅度调节高光阴影,例如下面这个教程中,作者将高光-100并提高整体亮度和暗部亮度之后,画面原本的光影层次被破坏。虽然作者利用其它手段让画面清晰度和锐度大大提升,但是山峰的质感反而下降了。


文章作者:李文超


原图山峰亮部和暗部分明,光源方向明确,质感较强



作者降低100高光,提高31阴影,虽然没有提高100的阴影,但是这个动作也足以让原图中的光影层次感大幅度降低。



完成图中山峰亮部和暗部差距较小,光源方向不明确,质感较弱。因此在画面光影反差原本就不大的图片中暴力压缩高光阴影的方法并不妥当。


而真正需要大幅度-高光+阴影的情况一般只有以下两种




1. 需要在后期中重塑光影结构的作品(合成类居多)



大光比或者逆光拍摄的作品


图片作者:TJ Drysdale


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误区3:滥用胶片曲线




那么首先,什么是胶片曲线呢?这里引用“蜡笔小C”在POCO上面的一篇教程说明。






如图中,略微压暗高光和白色,大幅度提高阴影和黑色的操作就基本构成了典型的“胶片曲线”。


这种操作最直观的效果就是让高光和暗部发灰,减少暗部细节。利用得当的话,可以让画面氛围感加强。于是乎,当相关教程出现以后,许多人没有把教程吃透,盲目套用这种曲线,结果网上很快就充斥着滥用胶片曲线的图片了。


但是将这一曲线(以及很多含有这一曲线的预设或者滤镜)用在不合适的照片上,那么其效果往往适得其反。下面用两个案例说明:


案例1:


作者:Terry-F


图片反差原本就不大,人物处于暗部,细节较少。



此时使用胶片曲线会导致人物细节的严重缺失,让图片显得发灰发闷,而且视觉上显得“脏”。


案例2:


作者:Terry-F


原图中人物处于亮部,环境暗,画面光影反差大。



此时使用胶片曲线,不会过多影响主体细节,反而可以让弱化环境中杂乱的内容。提升画面质感。


总而言之,胶片曲线有利有弊,要结合图片本身的特点来使用并调整。




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误区4:照片越亮越好看




或许是受到客户(模特)需求的影响,许多人在后期的时候都尽量将图片调亮,让人物看起来更加白嫩。


但是图片亮度越大,影子就越少,画面层次感就会相应地减弱。如果过分强调“明亮”的话,作品就会变得缺乏质感,甚至产生高光区域过曝的情况。


作者:坏坏


人物明亮通透,遗憾的是画面整体过亮以及缺乏对亮部细节的保护导致大面积过曝,画面中窗子和床单上面大面积的死白显然欠妥,场景质感和层次也因此受到影响。


图片作者:Vivianne Mok


在明亮的基础上保持质感是非常重要的,也很难做到,需要大量的后期经验和考究的前期拍摄布光。




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误区5:转黑白,逼格高




这可能是照片后期中最严重最常见的误区了。


首先要明确的一点是:黑白是一种照片风格,而不是“逼格”。


可能有人觉得有逼格,那是因为黑白片子看得少了,觉得新鲜。如果这世界上充满了黑白片,那么这些人肯恩会觉得彩色逼格更高。


而且可能去掉色彩之后,可以减少烂片里面的问题,但是烂片依然是烂片,黑白只是减少了片子中的色彩问题而已。


那么既然是风格,那么就得寻找合适的图片去搭配。


如下面一组图,层次感较弱,光影反差小的图片倘若转为黑白,少了色彩对氛围的渲染那么片子就平淡无味。 


作者:Terry-F





而有的片子光影质感强烈,明暗表现力>色彩表现力的时候转为黑白,减少色彩干扰,此时合理地“做减法”可以提升图片效果。


作者:Terry-F



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结语




以上总结的五点常见误区容易出现在有一定后期基础的朋友的图片上,其中部分问题即使是后期经验丰富也难免会犯。


而解决这些问题单靠技术是不够的,还需要有端正严谨的后期态度和与时俱进的审美水平。


最后,祝大家在2017年能获得更大提升,拍出佳作。




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清晨青城
微风拂面
绿荫入眼
而后,细水长流
_@March